Joan Subirats comenzó la intervención haciendo un breve análisis de las políticas sociales en el contexto del cambio de época, para situar el proyecto cultural que lidera en el centro de las políticas públicas con el objetivo de paliar las desigualdades existentes – y posiblemente crecientes- en el marco de la revolución tecnológica en la que estamos inmersos.

En Barcelona, ‘el 20% de las personas que acuden a los servicios sociales del Ayuntamiento son trabajadoras’, afirmó Joan Subirats. Esto significa que, actualmente, las políticas redistributivas son insuficientes para revertir las desigualdades que genera este sistema económico. Para afrontarlas es necesario implementar medidas predistributivas. Una de las políticas predistributivas que se considera de máxima relevancia es la enseñanza infantil. En este sentido, en Barcelona hay un 50% de cobertura de niños de entre 0 y 3 años en comparación al 98,5% de cobertura que hay en Copenhague. La educación es otro pilar de las políticas predistributivas. En Finlandia el 80% de la población tiene estudios secundarios postobligatorios. En Barcelona este porcentaje baja hasta el 53% en promedio, pero con notables diferencias entre barrios. Por ejemplo, en Sant Gervasi el 80% de la población tiene estudios secundarios en contraposición del 37% de los vecinos de Nou Barris.

Pero la sociedad actual, aparte de ser cada vez más desigual, también es más incierta y, por tanto, hay que replantear el modelo educativo. Hay que educar personas con capacidad de adaptación y de aceptación de la diversidad, emprendedoras, creativas y con sentido crítico. Estas competencias se adquieren a través del bagaje cultural de cada uno: el asociacionismo, las experiencias artísticas, los libros leídos,… Actualmente, pues, ‘la mochila cultural es un elemento de desigualdad‘. En este sentido, hay que situar la dimensión cultural en el centro de las políticas públicas reforzando el eje educación – cultura. ‘Todos los niños deberían tener acceso universal a la educación artística‘ sentenció el comisionado Joan Subirats.

‘Hay que situar la cultura como un elemento central en las dinámicas de construcción personal” y para hacerlo hay que replantear el protagonismo del Estado, del mercado y de la sociedad civil. También hay que trascender a las estructuras convencionales que han encasillado las diferentes expresiones artísticas para incorporarlas en todas las dimensiones económicas, científicas y sociales. ‘La cultura tiene que salir fuera del ámbito institucional‘ y recuperar las prácticas culturales comunitarias de la periferia. ‘Las respuestas a los retos que tenemos que afrontar deben construirse colectivamente, desde la proximidad y apelando a la implicación social‘, sentenció Joan Subirats.

Malet (RM) – ¿A qué tipo de público nos dirigimos? ¿Somos conscientes del público que nos visita? ¿Qué público queremos captar? ¿Ha habido un cambio notable del tipo de público que visita los museos?

Marta Gili (MG) – París tiene tantísimas instituciones, tantísimos museos y centros culturales, que era necesario encontrar el espacio que podía ocupar el Jeu de Paume, tanto en París como dentro del Jardín de las Tullerías, donde está el Museo de Orssay, el Louvre,la Orangerie, el museo de Art Décoratif, … y grandes instituciones alrededor, como el Grand Palais. Entonces, teniendo en cuenta que el Jeu de Paume está dedicado a la imagen, no sólo a la fotografía, y la mayoría de artistas actuales utilizan imágenes, ya sean digitales, analógicas, fijas, en movimiento, virtuales o reales… Nosotros decidimos dar gran visibilidad a las creaciones de artistas contemporáneos y del siglo XX que trabajan con imágenes, en contraposición al otro lado de las Tullerías, donde se exponen los grandes maestros en el Louvre. El público del Jeu de Paume es local (sólo el 20% de los visitantes son turistas), joven y con un intercambio internacional muy importante. En contraposición a la mayoría de museos de París, que están pensados para un público turista, ocasional.

Pepe Serra (PS) – El MNAC tiene un 50% de público local y un 50% de extranjero. Pero la cuestión del público que nos preguntabas remite a cuál es el sentido del museo en la actualidad. Hoy en día, EL público ya no existe. El público es un millón de minorías existentes, y por tanto, el museo ya no tiene que tener una actitud paternalista hacia el público, sino que debe ser un lugar de encuentro, un conector entre los visitantes. Y en este sentido, ¿Qué debe hacer un museo? Mezclar puntos de vista, clases sociales, fomentar el debate, generar preguntas en lugar de dar respuestas. El museo debe ser para todos, es una institución de servicio público y, por tanto, que nos utilice todo el mundo para lo que quiera. En el caso del MNAC, nos estamos retirando para dejar que pasen cosas. Este año 2018, de la montaña de cosas que hemos hecho, una pila importante no las hemos decidido nosotros, las ha hecho un tercero en nuestro país. Sin embargo, creo firmemente que todavía el público más grande de un museo es el no-público. Los museos aún tenemos barreras sociales, como el precio, pero no el más importante; sino la idea de museo como un lugar académico, con un solo relato que debe obedecer, que nunca cambia de disposición,… Creo que los museos hemos estado varios años rechazando gente. Por lo tanto, aquí está la gran revolución, que si no la hacemos, acabaremos siendo almacenes. En este país, tenemos que hacer un gran esfuerzo para generar público joven, como tan bien hace el Jeu de Paume, con convenios con escuelas.

Ferran Barenblit (FB) – Para mí hay una cuestión previa al público y es a quien le rendimos cuentas, cuál es nuestra circunscripción, cómo nos constituimos como museo? El público es quien efectivamente viene al museo pero nosotros con quien nos relacionamos de verdad es con aquellos que no venden, los que nos dan legitimidad para constituirnos como institución y los que forman realmente el espacio social en el que nos movemos y relacionamos. Es decir, para mí es mucho más importante de qué manera el museo responde a las expectativas, necesidades y deseos de una sociedad y cómo se configura todo ello dentro de la institución. Por lo tanto, es más importante que en una sociedad haya diversidad cultural que el número absoluto de visitantes. Dicho esto, el MACBA tiene entre un 35% y un 40% de público local, actualmente. Y el público está constituido por personas, individuos, con historias diferentes y que vienen a buscar cosas diferentes dentro del museo. Para mí, lo importante no es tanto lo que encuentran sino cómo lo encuentran. En este sentido, el más insignificante elemento de nuestro trato como institución desvela mucho qué tipo de institución somos y de qué manera podemos dar respuesta a las expectativas de los visitantes.

RM – ¿Cómo creen que tenemos que ofrecer el contenido de los museos para que sea atractivo y accesible a un público amplio y heterogéneo, teniendo en cuenta las nuevas herramientas de comunicación y difusión que tenemos al alcance?

MG – Okwui Enwezor, director de la Hausder Kunst, dijo hará unos meses en una mesa redonda organizada por la Tate Modern, que llevaba por título Who do you think you are ?, que ‘los museos son construcciones políticas, sociales y económicas que tienen ángulos muertos y que se deben cuidar porque sino, estos pueden fragilizar cualquier narrativa y programación’. Yo encuentro totalmente acertada esta afirmación y, precisamente, en el Jeu de Paume trabajamos estos ángulos muertos para hacerlos materia prima en la generación de contenido. Estos ángulos muertos son espacios que si no los miras te puedes repetir o bien caer en populismos,… Por ejemplo, un ángulo muerto del Jeu de Paume era la banalización de la fotografía y, por ello, hemos trabajado con artistas que a través de la fotografía muestran lo invisible. Otro ángulo muerto que hemos trabajado es la programación de mujeres artistas. Actualmente tenemos un 50% de mujeres artistas en la programación de exposiciones, actividades, conferencias, seminarios, etc.

PS – Nosotros, en actividades y comisariados, sí estamos en paridad absoluta. Pero es verdad que hay margen de mejora y la perspectiva se puede ofrecer. Aparte, creo que el museo, fundamentalmente, debe ser crítico y, por tanto, también lo serán los contenidos que éste ofrece. El museo puede ser una gran fuente de recursos y generar una cantidad enorme de contenidos que estén al alcance de quien los quiera, pero lo que no puede hacer es imponerlos. Nuestro contenido debe ser capaz de desvelar inquietudes. Cuando esto ocurre, se producen cosas que no controlamos. Y en este punto, utilizando las nuevas herramientas que ofrecen las nuevas tecnologías, deberíamos ser un repositorio de experiencias de terceros para ofrecer nuevos puntos de vista. Y para terminar, quisiera decir que, desde mi punto de vista, hay un error en la división del tiempo, ya que todos los museos son contemporáneos, porque las experiencias de valor añadido que reclamamos pasan hoy. Por lo tanto, el punto de vista siempre debe ser contemporáneo.

FB – Son muchas décadas de establecer la función de un museo como un repositorio de un saber superior que excluye al visitante, que divide entre ‘los que sabemos y los que no saben’. Y también son muchas décadas de invitar al público a venir al museo a reconocer y no a conocer. Y esto es el resultado de una cultura, que tiene que ver con la visualidad contemporánea, en la que la adquisición del conocimiento puede ser rápida, inmediata y consecuencia de una necesidad de apropiación temporal de lo que estamos viendo. Entonces, tenemos que insistir mucho en que estamos generando un conocimiento, conjuntamente con nuestra audiencia, que va más allá de lo que las obras transmiten. Es un conocimiento que genera posicionamientos críticos, que abre espacios de diálogo, extremadamente complejos pero muy enriquecedores cuando existen.

 RM – Ya que estamos en Amics del País, institución que trabaja por el desarrollo de Barcelona a través de la generación de espacios de debate, ¿cuál creen que debe ser el papel de los museos en una ciudad como Barcelona?

MG – Estoy muy de acuerdo con los conceptos del ‘espectador maltratado’ y el ‘espectador emancipado’ descritos por la filósofa Marie Josée Mausain. Los museos debemos formar el espectador del futuro, un espectador emancipado, que entiende que la acción de ir a un museo debe generar conocimiento y pensamiento crítico. Pero el museo también debe ser productor de deseo y, por tanto, debemos equilibrar nuestras producciones para atraer diferente tipo de público.

FB – El museo debe ofrecer al público lo que no viene a buscar, debe sorprenderlo, interpretarlo.

PS – La ciudad debe ser atractiva y, como siempre dice el artista Franc Aleu, tiene que trabajar para una sociedad compulsivamente consumidora de cultura. Creo que la ciudad no utiliza suficientemente los museos. Somos un recurso potentísimo para la ciudad para afrontar todos los retos que tiene la ciudad: inmigración, norte-sur, género, etc. Somos espacios de educación, de debate, de empoderamiento, de acogida.

Uno de los rasgos que ha caracterizado siempre la ciudad de Barcelona y sus habitantes ha sido el carácter emprendedor, debido a ser una ciudad abierta al mar. Abrazar la confluencia entre diferentes mundos, pues, puede ser una palanca hacia el conocimiento, apuntó Cristina Salvador. La creatividad es experimentar diferentes maneras de relacionarse, de interaccionar con diferentes disciplinas. Tal y como decía Jorge Wagensberg, la innovación reside en la hibridación.

En este sentido, Alberto Guijarro añadió que para ensanchar la cultura en la ciudad tenemos que estar muy atentos a lo que pasa en los barrios, tenemos que salir del centro. El motor de cambio y transformación está en la periferia, donde se han instalado los recién llegados, con nuevas maneras de hacer y de entender el mundo.

En su turno, Gabriel Jené afirmó que la rápida carrera que ha tenido que hacer Barcelona para situarse en poco más de veinte años en el grupo de las grandes ciudades del mundo, junto con Londres, Berlín y París entre otras, le obliga actualmente a reinventarse. Este cambio se debe liderar desde la sociedad civil, tejiendo una complicidad entre el sector público, el tejido empresarial y las universidades.

Jaime Gil de Biedma decía que el poema nacía de una imagen, a Juan Marsé le llegaba la inspiración a través de los aventis, las historias de la calle, para Rosa Montero la chispa de la creatividad era una constelación al cielo y para Carme Riera es una anécdota con la que se da de manera espontánea y a partir de la cual comienza a tejer una historia.

Una vez inmersa en el proceso de creación de una novela, la escritora confiesa que vive en dos mundos paralelos, el mundo real y el ficticio. ‘Entre los locos y los escritores hay una frontera muy fina‘, afirma Carme Riera. No obstante, los dos mundos se entrelazan. Los personajes de una novela se construyen con elementos de la realidad que la autora pone a disposición de la ficción. Como por ejemplo hizo Gabriel García Márquez cuando escribía Cien años de soledad, que se inspiró en el vuelo de las sábanas blancas tendidas en la azotea para que Remedios la Bella levitara.

Preguntada por si un creador nace o se construye, la escritora ha dicho que, por un lado, debe existir cierta habilidad inherente a la persona. Pero por otro lado, debe haber un contexto cultural, de tradición familiar y, sobre todo, una educación que trabaje para desarrollar la imaginación y que ésta se convierta en un instrumento fino capaz de reflejar las emociones más sutiles y las reflexiones más profundas jugando y buscando las palabras precisas.

Carme Riera ha cargado contra el sistema educativo actual, que ha eliminado la literatura y las humanidades del currículo de las enseñanzas regladas. ‘La literatura desaparecerá y sólo quedará el bestseller‘, ha sentenciadon la escritora. Sin embargo, Carls Duarte, Presidente del CONCA, ha precisado que el ser humano siempre ha tenido la necesidad de contar historias a través de las palabras. Y en este sentido, la escritora ha recordado Octavio Paz que decía que la poesía (literatura) sirve para recordar lo que somos. Quien no lee no recordará qué somos: criaturas finitas vertidas al amor, la muerte, la naturaleza, que buscan un mundo mejor.

‘El proceso de una creación musical es una lucha frenética y literal contra el tiempo porque a medida que concretas la idea original, poética, el misterio percibido se desvanece’, explica Benet Casablancas durante la conversación que mantuvimos con él en la sede dela Sociedad Económica Barcelonesa de Amigos del País (SEBAP) dentro del ciclo Proceso Creativo. Definir la forma de una pieza musical, la arquitectura que permite expresar la emoción percibida por el compositor, es la parte más importante y la que plantea más dificultades específicas, pero ‘cuando escribes la primera nota, sientes un punto de alivio. No obstante, hay que estar alerta ‘, asegura Benet Casablancas, ‘de no perder la fuerza, la pulsión, el sentimiento que has experimentado y has querido plasmar’.

Benet Casablancas, tal y como lo define Carles Duarte, Presidente del CONCA,no actúa sencillamente empujado por la mera experimentación, transgresión como elemento definitorio. Sino que su obra proyecta un conocimiento preciso, completo y minucioso. Para el compositor Casablancas, ‘la música es una arquitectura en el tiempo’ y, como en el campo de la arquitectura, se necesitan cálculos matemáticos para definir la composición, las cargas y la distribución y hacer comprensible la forma del arte para acabar encontrando la empatía de algún interlocutor. Sin embargo, confiesa el compositor, ‘hay veces que a pesar de haber terminado una obra desde la razón, intuyes que falta algo ‘.

La obra de Benet Casablancas se confronta con las inquietudes, anhelos y pulsiones de sus contemporáneos, del ser humano de hoy, pero no lo hace nunca ignorando el bagaje de siglos de cultura. El compositor a menudo dialoga con otros lenguajes artísticos para encontrar la inspiración. Un cuadro de Rothko donde las tonalidades, proporciones y transiciones lo condujeron a escribir una melodía; el poema de J. V. Foix Jo tem la nit que el compositor puso música empujado, tal y como así lo expresa, por la letra; el Hamlet de Shaskpeare, autor que siempre lo ha conmovido por la mezcla de ternura infinita y crueldad; entre otros ejemplo.

Preguntado por si el buen creador nace o se construye, Benet Casablancas ha respondido que hace falta un entrenamiento, un reconocimiento y un esfuerzo como sociedad para integrar la presencia natural de la música en la vida social y cultural a diferentes niveles para adquirir y desarrollar sensibilidades que potencien el desarrollo artístico de la música. En este sentido, citó el proverbio de Goethe: ‘no podéis mediatizar en la experiencia estética porque la propia obra artística ya es un mensajero de lo inefable. Pero a medida que pongáis esfuerzo, será devuelto con creces ‘.